PROFESOR AFIRMA QUE LO HECHARON DE UN COLEGIO YA QUE DENUNCIA HECHOS DE ABUSO QUE TENIA EL OTRO PRESUNTO O AGRESOR HACIA LOS ESTUDIANTES DEL COLEGIO EL ESCORIAL.
NO SE SABE SEGURO SI LOS ESTUDIANTES ABUSADOS X EL AGRESOR TIENEN EL VIH O EL SIDA.
ESTE PROFESOR SE SIENTE MUY MAL AL SABER QUE LO HECHAN DEL COLEGIO SOLO POR DECIR UNAS CUANTAS VERDADES QUE EL SABIA Y Q NO QUERIA OCULTAR YA Q SE SIENTE MUY MAL AL RESPECTO DE QUE LOS PROFESORES Y DEMAS ESTUDIANTES Y DIRECTIVAS NO SUPIERAN LO Q PASABA.
HECHO X: NONY MARIA VILLA RESTREPOhttp://www.eltiempo.com/
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos. con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos» ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad] El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conduce
Los inicios de este director y animador serán en la National Film Board, en Canadá. Dunning realiza en 1943 dos cortos para la serie Chants Pupolaires, pero se da a conocer con The three Blind Mice (1945) y Cadet Rousselle (1947).
Trazo sintético pero elegante, sentido del humor y lirismo, animación y arte de vanguardia, utilizando técnicas innovadoras como pintura sobre cristal o tiras de metal coloreadas.
En 1956 funda la TV Cartoons, en Inglaterra. Realizará obra notables como The WardrobeThe Flying Man (1962) un intento de animación que le hace merecedor del Grand Prix en el Festival de Annecy. Pueden verlo aquí. (1960) un cortometraje surrealista que no he tenido el gusto de ver, pero que dicen que es muy kafkiano. Y
Finalmente su obra más famosa fue el largometraje El submarino amarillo, una perfecta combinación de música y grafismo. Aquí les dejo el trailer, que lo disfruten
Pau Riba no es sólo músico, es también grafista, poeta y escritor. Ha diseño portadas de discos para el mismo y para otros músicos de la mano de la compañia discográfica Discos concèntric".
El universo de Pau Riba está lleno de elementos surrealistas, símbolicos, pop, flok, de alquimia y de astrología. Mensajes ocultos que superaron la censura.
Más información en su web. También la revista Visual num. 118, publica un artículo muy completo de su obra y puedes descárgatelo desde la web con sólo mandar un mensaje.
Sus hijos Pauet i Caïm crearon el grupo Pastora, al que años más tarde se incorporaría Dolo Beltrán para dar un giro a los excesos experimantales y dejar entrar los sonidos acústicos. Por cierto el nombre del grupo viene de la madre Mercé Pastor, a la que cariñosamente llamaban Pastora. Todo queda en familia.
En otras ocasiones ya he hablado de diseñadores y/o ilustradores de portadas de discos, como por ejemplo uno de mis favoritos, Aramburu, o del gran Jim Flora. Por cierto, si van a los links, verán que el anterior blog se me está llenando de comentarios extraños que van a parar a blogs japoneses (digo yo que serán japoneses...) no entiendo nada.
Bueno hoy les quiero hablar de Cynthia, ilustradora francesa que ha trabajado durante años para el seño discográfico siesta. Ilustraciones en la línea de Jim Flora y de los pioneros del diseño de portadas como Paul Bacon o Reid Miles.
Otro ejemplo de como los discos pueden sonar diferentes dependiendo de su portada. Así como anteriormente los discos se servian en sosas carpetas de papel estraza, enseguida las discográficas empezaron a darse cuenta de que el arte y la música podían tener una bonita y necesaria simbiosis. Ayer pude disfrutar de un corto pero intenso libro, Cynthia, aime la siesta, una maravilla visual.
Musicalmente hablando, internet a cambiado mi vida, pero echo de menos esos días que me tumbaba a escuchar un cd mientrás no me cansaba de mirar la portada y el librito interior, lástima que sean tan caros. Si no me los bajase de la red no podría satisfacer toda mi curiosidad, bendito BitTorrent. Las carátulas te las puedes bajar también, pero no es lo mismo.
EDITADO: Los comentarios raros del anterior blog, resultan ser spam, por favor si vas no clikes en ellos porque les damos vidilla. Estoy intentando sacarlos pero de momento cuando intento ir a los comentarios me da error 404, alguién sabe como solucinar el tema? me voy a quedar sin blog al final...
Nacido en Madrid en 1937. En 1957 se licencia en periodismo y viaja a París donde inicia su etapa como pintor junto a otros exiliados de la dictadura.
Figura destacada del movimiento neofigurativista, utiliza tintas planas y elementos procendentes de la publicidad y la prensa. En 1960 crea una serie de retratos de dictadores entre los que se encontraba la figura de Franco.
Eduardo Arroyo, Mi querido general, 1962. Óleo sobre lienzo, 81 x 100 cm Colección De pictura, Madrid.
Es en 1964 cuando rompe con el arte informal y dando una imagen violenta (había otra?) de la Espanya de ese momento, colabora con Gilles Aillaud y Antonio Recalcati para finalmente ser expulsado del país en 1973, dado el alto contenido crítico en sus obras.
Dos años después le devuelven su pasaporte y en 1982 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas en España. Polifacético hombre, escritor, escultor, pintor, gravador, decorador teatral y no sé cuantas cosas más...
Ra, Raoul Sinier. Ilustrador, diseñador y músico. Excelente trabajo que descubro en su web.wallpapers para el ordenador, diseñados por el mismo. También podrás desahogarte dando tortazos en uno de sus juegos. No se lo pierdan, muy recomendable. Aquí les dejo un vídeo realizado por el, ya me contarán que les ha parecido el final Entra y además de ver su trabajo podrás bajarte iconos y demas cosas
Los términos surrealismo y surrealista proceden de Apollinaire, quien los acuñó en 1917. En el programa de mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917) afirma que sus autores han conseguido:
una alianza entre la pintura y la danza, entre las artes plásticas y las miméticas, que es el heraldo de un arte más amplio aún por venir. (...) Esta nueva alianza (...) ha dado lugar, ena una especie de surrealismo, que considero el punto de partida para toda una serie de manifestaciones del Espíritu Nuevo que se está haciendo sentir hoy y que sin duda atraerá a nuestras mejores mentes. Podemos esperar que provoque cambios profundos en nuestras artes y costumbres a través de la alegría universal, pues es sencillamente natural, después de todo, que éstas lleven el mismo paso que el progreso científico e industrial. Parade
La palabra surrealista aparece en el subtítulo de Las tetas de Tiresias (drama surrealista), en junio de 1917, para referirse a la reproducción creativa de un objeto, que lo transforma y enriquece. Como escribe Apollinaire en el prefacio al drama:
Cuando el hombre quiso imitar la acción de andar, creó la rueda, que no se parece a una pierna. Del mismo modo ha creado, inconscientemente, el surrealismo... Después de todo, el escenario no se parece a la vida que representa más que una rueda a una pierna.
Roberto Aizenberg:
Roberto Aizenberg era hijo de un inmigrante ruso judío que se estableció en las colonias judías de Entre Ríos, en la localidad de Villa Federal, ahora conocida como Federal. Cuando tenía 8 años su familia se mudó a la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de La Paternal. Allí realizó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Buenos Aires. Comenzó la carrera de arquitectura pero la abandonó para dedicarse a la pintura.
Sus comienzos fueron como alumno de Antonio Berni y luego más tarde conJuan Batlle Planas, quien le inculca el surrealismo, en la década del '50.
En 1969 el Instituto Torcuato Di Tella realizó una importante exposición retrospectiva de su obra (dibujos, collages, pinturas y esculturas).
Poco antes comenzó a convivir con la periodista y escritora Matilde Herrera y sus tres hijos. Luego de producido el golpe militar que dio origen a la dictadura conocida como Proceso de Reorganización Nacional, en 1976 y 1977, fueron secuestrados los tres hijos de su compañera y sus respectivas parejas; una de ellas, Valeria Belaustegui, estaba embarazada. Todos permanecen desaparecidos.
Murió en Buenos Aires el 16 de febrero de 1996 cuando preparaba una gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes.
LEONOR FINI
Nació en Buenos Aires, hija de madre italiana y padre argentino. Su padre trato de recuperar a Leonor,cuando era aún una niña. Creció en Trieste y más tarde se trasladó a París para convertirse en pintora.
Fini fue también una destacada ilustradora y realizó ilustraciones para obras de autores como Edgar Allan Poe, Marcel Aymé o el marqués de Sade. Durante muchos años estuvo rodeada de grandes amigos como Lepri, gran pintor surrealista y Cots Jelensky, escritor polaco. Su vida era organizada por un español, catalán de adopción y parisino por su trabajo, se llamaba Rafael Martínez. Sin él nada existiría ya que se preocupó de recopilar y guardar sus obras así como organizar exposiciones y todo tipo de actos tanto en vida de leonor Fini como después de su muerte. Desgraciadamente murió unos años después dejando inacabada su labor y truncándose sus ilusiones que eran crear una fundación sobre Leonor Fini. esta pintora también pintó el logotipo de una tienda que existe en barcelona, Musonka.
Richard Oelze:
En 1914, Oelze acudió a la Escuela de Artes Decorativas en Magdeburgo, donde se formó como litógrafoRichard Winckel y Kurt Tuch, en 1918. Desde 1919 hasta 1921, completó sus estudios en la misma escuela como un Stipendiat (becario). Entre 1921 y 1925, fue un estudiante en la Bauhaus, primero en Weimar con Johannes Itten, y luego en Dessau, donde recibió un puesto docente especial en la Bauhaus. Desde 1926 hasta 1929, vivió en Dresde, participando allí en una exposición de la Dredner Secession, y vivió desde 1929 hasta 1930 en Ascona en Suiza, y liego en Berlín hasta 1932. Después de una residencia más larga en el Gardasee, permaneció en París en los años desde 1932 a 1936 y conoció a André Breton, Salvador Dalí, Paul Éluard y Max Ernst. En 1936 y 1937, de nuevo vivió en Suiza y en Italia. En 1938, se trasladó a Alemania, donde estableció una colonia de artistas en Worpswede en 1939. Desde 1941 hasta 1945, prestó servicio militar y fue hecho prisionero. Después de la guerra, marchó de nuevo a Worpswede, donde trabajó hasta 1962, y luego se marchó a Posteholz. Richard Oelze participó en documenta II en 1959 y en documenta III en 1964 en Kassel. En 1965, se convirtió en miembro de la Akademie der Künste de Berlín. hasta 1918. Aprendió el dibujo de desnudos en clases vespertinas. Entre sus maestros estuvieron
César Moro:
Luego de Estudiar en el Colegio de La Inmaculada de los jesuitas, en 1925, viaja a París, etapa inevitable para la mayoría de los artistas de cualquier actividad en aquellos tiempos. César Moro prueba distintas disciplinas artísticas en esa etapa, asiste a clases de danza en la Academia de Ballet (actividad que abandona por motivos de salud), pinta y escribe poemas. En 1926 presenta su primera muestra pictórica y en 1927 la segunda, ambas son acogidas favorablemente por la crítica. En 1928 ingresa en el surrealismo y empieza a escribir poemas en idioma francés. En el periodo comprendido entre 1928 y 1934 continuará con sus actividades europeas tanto en el ámbito de la pintura pero sobre todo del de la poesía (Ces poèmes) y regresa a Lima a finales de 1933. En 1935 organiza con el poeta Emilio Adolfo Westphalen, la primera exposición surrealista de Latinoamérica, en la Academia Alcedo de Lima; participan en ella, además, del propio Moro los chilenos Jaime Dvor, Waldo Parraguez, Gabriela Rivadeneira, Carlos Sotomayor y María Valencia, que ya habían realizado en su país, en 1933, una exposición de arte abstracto.
En 1938 y por motivos políticos Moro abandona su país y se refugia en México donde permanecerá 10 años en los que seguirá con sus actividades tanto pictóricas como poéticas. En 1940 organiza con el pintor Wolfgang Paalen y André Bretón la Cuarta Exposición Internacional del Surrealismo para la Galería de Arte Mexicano. Regresa a Lima en 1948, año en que fungió como profesor en el Colegio Militar Leoncio Prado, donde fue maestro de francés del novelista peruano Mario Vargas Llosa. En 1955 culmina una de sus obras principales, Amour à mort. El 10 de enero de 1956 muere víctima de leucemia. Su amigo André Coyné continuó con la labor de recopilación, edición y difusión de la obra de Moro.
Francisco Toledo:
En la década de 1950, inicia sus estudios artísticos en la gráfica, en el taller de grabado de Arturo García Bustos. Posteriormente ingresa al Taller Libre de Grabado de la Escuela de Diseño y Artesanías, del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), en la Ciudad de México. En 1959 exhibe sus obras en la Galería Antonio Souza y en el Fort Worth Center, en Texas.
Considerado uno de los mejores artistas vivientes de México, Francisco Toledo es inigualable. Es un experto impresor, dibujante, pintor, escultor y ceramista. Su arte y plástica refleja una gran apreciación por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza (murciélagos, iguanas, sapos, insectos). La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno con la naturaleza. Toledo muestra un sentido de lo fantástico muy bien desarrollado al crear criaturas híbridas, parte humanas y parte animal, a la vez monstruosas y juguetonas, sus hermosos papalotes, libretas artesanales, máscaras, joyería e intrínsecos grabados son otra muestra de su genialidad.
El artista zapoteco se ha dedicado a promover y difundir la cultura y las artes de su estado natal, Oaxaca, donde actualmente reside. Con apoyo de otras instituciones funda en octubre de 1997 el Taller Arte Papel Oaxaca, instalado en la antigua planta hidroeléctica "La Soledad". Dentro de este contexto, fundó Ediciones Toledo, que en 1983 publicó su primer libro, y en 1988 creó el Instituto de Artes Gráficas de OaxacaPremio Nacional de Bellas Artes en 1998.[1] A iniciativa suya se abre el 20 de marzo del 2006 CASA (Centro de Artes de San Agustín) en Etla, Oaxaca en donde se estudia fotografía, gráfica digital, diseño textil, educación a distancia, la preservación del patrimonio y el arte, enfocados también al medio ambiente. En 2005 recibe El Premio al Sustento Bien Ganado por dedicarse a la protección y mejora de la herencia, ambiente y vida de la comunidad de su natal Oaxaca. Hay obras suyas en los Museos de Arte Moderno de México, París, Nueva York y Filadelfia, en la New York Public Library, la Tate Gallery de Londres y la Kunstnaneshus de Oslo, entre otros. Ha ilustrado varios libros, y ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en ciudades como Nueva York, Londres, París, Ginebra, Oslo, entre otras. (IAGO).
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa.
El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.
Nazmi Ziya Güran Nazmi Ziya Güran nació en el barrio de Horhor en Estambul, Imperio otomano. Se graduó en 1901 de la Escuela de Ciencias Políticas, en donde se había matriculado tras haberse opuesto su padre a su deseo de ser artista. Tras la muerte de su padre el mismo año, Nazmi Ziya entró a la Academia de Bellas Artes de Estambul, en donde estudió bajo la dirección de Warnia y Valeri. Nazmi Ziya Güran se rebeló contra las reglas del arte académico prefiriendo pintar la naturaleza. La visita del pintor postimpresionistaPaul Signac a Istanbul le dio a Güran nuevas inspiraciones. Su maestro Warnia no aprobaba la dirección que la pintura de Güran estaba tomando, y por tanto se le negó el diploma en 1907, aunque lo recibiría un año más tarde. Estudió brevemente en la Académie Julian en París y también con Fernand Cormon, con quien Toulouse-Lautrec había estudiado años atrás. Güran tuvo una exhibición exitosa en 1912 antes de viajar a Alemania y Austria en 1913. Tras su regreso a Turquía trabajó como administrador y profesor de la Academia de Bellas Artes, además de manejar su propio estudio. Al igual de Claude Monet, Güran pintaba el mismo tema a diferentes horas del día para estudiar el efecto del cambio de luz. Francisco Romano Guillemín Francisco Romano Guillemín (1883-1950) fue un artista mexicano considerado pionero en el impresionismo en México. Nació el 29 de noviembre de 1883 en Tlapa, Guerrero; siendo uno de los siete hijos - Ambrosio (1880), Ramón (1881), Consuelo (1882), Mercedes (1884), Ángel (1886) y Alfonso (1888) - procreados por el español Faustino Romano y su esposa Adolfina Juana Guillemín Sotelo, quienes contrajeron matrimonio el 14 de octubre de 1879. Realizó sus estudios en Puebla y después continuó en la Academia de San Carlos bajo la dirección de Antonio Fabres, German Gedovius y Leandro Izaguirre. Pupilo del connotado muralistaDiego Rivera, Francisco Romano tuvo una gran aportación en el impresionismo, cualidad que descubrió durante un viaje a Europa. El puntillismo de Seurat lo influyó en su formación como artista. A su regreso a México, se desempeñó como profesor en la Escuela de Bellas Artes. Murió en Cuautla, Morelos el 28 de mayo de 1950. Eva Gonzalès Eva Gonzalèspintora impresionista, nace en París el 19 de abril de 1849 y muere en la misma ciudad el 5 de mayo de 1883. Hija del escritor español naturalizado francés, Enmanuel Gonzalès, comienza a estudiar pintura a los 16 años. Más tarde será discípula de Édouard Manet, en cuyo taller será modelo y alumna. La influencia de Manet en su pintura es visible hasta 1872, después su estilo se vuelve más personal, especializándose en obras al pastel y tonalidades claras. En 1879 se casa con uno de los hermanos del grabador Henri Guerard, naciendo de esta relación su hija Julie. Fallece a causa de una embolia originada en un parto, 5 días después de la muerte de su maestro Manet. En febrero de 2008 el Museo Schirn de Fráncfort abre una exposición con la obra de Eva Gonzalès y otras tres pintoras impresionistas, las francesas Berthe Morisot , Marie Bracquemond y la estadounidense Mary Cassatt que, en opinión de la comisaria Ingrid Pfeiffer, no han recibido aún el trato que merecen de parte de la mayoría de los historiadores de arte.
Está considerado como uno de los fundadores del movimiento impresionista. Como decano del impresionismo tuvo un importante papel de conciencia moral y guía artístico. Pintó la vida rural francesa y escenas del barrio de Montmartre. Entre sus discípulos se cuentan Paul Cézanne, Paul Gauguin, Jean Peské y Henri-Martin Lamotte.
Hijo de Abraham Gabriel Pissarro, un judíosefardíportugués y Rachel Manzano-Pomié dominicana. En 1847, tras concluir parte de sus estudios en Francia, regresó a Santo Tomás para ayudar en el comercio de sus padres. En sus momentos libres se dedicaba a dibujar.[1] Posteriormente abandonó su hogar debido a la oposición de sus padres a que se convirtiese en artista. Viajó a Caracas (1852), acompañado de su maestro, el pintor danésFritz Melbye.[2] Allí se dedicó plenamente a la pintura, realizando paisajes y escenas de costumbres.
Giacomo Balla(Turín, 18 de julio de 1874 - Roma, 1º de marzo de 1958), pintor y escultoritaliano, uno de los fundadores del movimiento futurista. Estudió en la escuela nocturna de dibujo de Turín. Más tarde se traslada a Roma, trabajando con éxito como retratista. Inicialmente su pintura impresionista muestra luego interés por el análisis cromático. Adopta la disolución de lo visible en puntos de color. Es también partidario de ideas anarquistas como algunos puntillistas como Pisarro. Utiliza la técnica puntillista para pintar temas del futurismo: la dinámica y la velocidad.
En 1900 se traslada a París, donde descubre y es muy influenciado por los puntillistasparisinos, desde 1909poeta lo estuvo en particular por la obra del Filippo Marinetti, con él publicó el manifiesto futurista.
Al contrario de otros de su mismo género, Balla fue un pintor lírico, ajeno a la violencia. Sus obras más reconocidas tratan la dinamicidad de la luz y el movimiento simultáneo, como "Dinamismo de perro con correa" (1912).
En octubre de 1918 publicó su "Manifiesto del color" ("Manifesto del colore"), un análisis del color en la pintura de vanguardia.
En la década de 1930 se distanció del futurismo, del cual fue uno de sus exponentes más destacados.
